Empecemos esta entrada definiendo lo que es el diseño gráfico, para así, más tarde, hablar sobre la relación que tiene con el arte, llegando así al tema de este blog: arte y tecnología.
El diseño gráfico es una profesión cuya actividad consiste en proyecta comunicaciones visuales destinadas a transmitir mensajes específicos a grupos sociales, con objetivos determinados, optimizando con esta actividad, las comunicaciones gráficas.
Esta definición es más bien reciente y aunque no existe consenso sobre una fecha exacta en la que nació el diseño gráfico, algunos lo datan durante el periodo de entre guerras.
Pero vamos a centrarnos en lo importante de esta entrada, en la relación que puede tener con el arte, por lo que vamos a preguntarnos si el diseño gráfico es arte.
Para llegar a una posible respuesta comenzaremos plasmando y analizando el significado de arte, citando ejemplos, para luego hacer lo mismo con el significado de diseño gráfico. A partir de las definiciones de cada área se pondrá en común y. se analizará similitudes y diferencias que se encuentran entre ellas.
Definiendo arte...
Según la Real Academia Española, la palabra Arte deriva del latín ara, artis y su significado está en relación con la capacidad o habilidad para hacer algo, y a una manifestación humana mediante la cual se interpreta lo real o se plasma una idea con recursos plásticos.
Pero debemos tener en cuenta que esta definición está atravesada por las múltiples interpretaciones que varían según las diferentes culturas y los períodos históricos sociales.
Estos factores hacen que su definición no pueda ser enmarcada completamente y que quede de cierta manera abierta. a diferentes interpretaciones. Es por eso que su definición comienza a desestabilizar ya que el vocablo arte, no solo puede aplicarse a una expresión personal, sino que también puede utilizarse como sinónimo de capacidad, de talento en múltiples áreas. Por eso, en muchas ocasiones se habla de arte. culinario, artes marciales, entre otros.
Si hablamos de artes plásticas, la historia nos muestra que las encargadas de definir qué era arte de lo que no, eran las Escuelas Tradicionales de Artes, los críticos de arte, etc. A medida que fue pasando el tiempo estos límites se fueron ensanchando hasta llegar al Arte Contemporáneo en donde el propio artista es el que define qué es arte, muchas veces convirtiéndose él mismo en obra de arte. Así la definición de arte ya no está en manos exclusivas de los críticos de arte, de los museos o de las escuelas de arte.
Definiendo diseño gráfico...
Según la Real Academia Española, el significado de la palabra diseño proviene de la palabra italiana disegno. En cuanto a su significado, está relacionado con un traza o deliberación, con un proyecto o plan que configura algo, y con una concepción original de un objeto u obra destinados a la producción en serie. Mientras que la palabra gráfico se refiere a representar mediante figuras o signos. Entonces, se podría decir que "diseño gráfico" sería un plan o proyecto de algo destinado a la producción en serie, logrado mediante figuras o signos. Y tampoco podemos obviar que el concepto de diseño también guarda relación con la cultura, lo histórico y lo social, por lo que esta definición queda acotada para la actividad concreta que propone el diseño gráfico.
Y ahora, vamos a diferenciar ambos conceptos.
Como vimos antes, el diseño gráficos está destinado a resolver visualmente problemas de comunicación planteados por una persona. A diferencia del arte, pareciera ser que en esta disciplina, la expresión personal del diseñador no entraría ene juego. Mientras que éste pareciera ser una expresión personal visual de su creador con el fin de provocar algo en su espectador y destinado muchas veces a ser arte por sí mismo. Con esto, ambas disciplinas quedarían por siempre separadas.
Pero, un diseñador no puede. ser del todo objetivo, ya que al tomar determinadas decisiones frente a una pieza de diseño, entran en juego las propias connotaciones del diseñador, mientras que un artista muchas veces trabaja para determinados clientes (quiénes le solicitaban las obras, como por ejemplo los mecenas. Por lo tanto, el artista también tiene que tratar con un cliente; y esto ocurre porque, al igual que el diseño gráfico, el arte está sometido a un mercado.
Otra área que comparten, es el espacio en donde pueden verse expuestas estas disciplinas. Tanto las obras de arte como las piezas de diseño, comparten ámbito de divulgación, como por ejemplo, en los museos. Entonces, ¿es que el diseño se vuelve. arte?, ¿o que el arte se hace diseño? El diseño se transforma en arte cuando pasa a la historia y es observado desde esa perspectiva, vaciándola de la función comunicadora inicial. Por eso, muchas piezas de diseño pueden verse en estos ámbitos, son valoradas desde el punto de vista de su composición, del colore, de la técnica empleada, etc.
Tantos artistas como diseñadores crean composiciones visuales usando una. base de conocimiento compartido, ambos requieren habilidad y están basados en el lenguaje visual. No solo comparten medios de divulgación, sino que en ocasiones comparten medios de producción.
Hoy en día el arte está cada vez más vinculado a la producción, hay artistas que realizan obras para ser expuestas en una galería y museos, pero, a su vez, generan piezas pensadas para ser reproducidas en medios industriales asociados a áreas del diseño. Por lo que, podemos observar un entrecruzamiento de aspectos que en un principio parecieran bien definidos para cada área, pero que resultan compartidos para ambas.
Por otro lado, el desarrollo de nuevas tecnologías, analógicas y digitales, aportan tanto para el arte como al diseño, un nuevo territorio donde proyectarse. El movimiento, el espacio y el tiempo son la base material de nuevos formatos artísticos y de diseño. Nuevamente ambas disciplinas comparten espacios de comunicación.
Por último, un aspecto en donde se observan una marcada diferencia es que una obra de arte, supone un mensaje en el cual cada espectador construye su propio significado. Mientras que el resultado de una pieza de diseño gráfico requiere que haya un mensaje único para ser entendido por el público a quien va dirigido. Ambos transmiten mensajes, pero mientras que en diseño gráfico, el mensaje es único, en el arte puede haber múltiples mensajes tanto como espectadores.
Concluyendo...
El arte y el diseño comparten campos estéticos, visuales, de divulgación. La confusión de que el diseño es arte surge a partir de estos campos compartidos. No podemos negar que el diseño se enriquece al observar el arte, que aprende de este y viceversa. De hecho, nació en éste. De ahí la dificultad de delimitar claramente los límites de cada uno frente a una necesidad de alejarlos en polos opuestos. Además debemos considerar que el diseño gráfico abarca y trabaja con múltiples disciplinas. El tratar de apartar ambos términos solo hace que ambas disciplinas pierdan capacidad de enriquecimiento. Tenemos que considerar, que así como el artista pueda diseñar piezas gráficas, muchos diseñadores gráficos pueden crear obras de arte. Lo que no significa que todas las obras de arte sean diseño, ni que todos los diseños sean arte.
Lo que debe entenderse es que esto se da porque comparten el lenguaje visual, el campo en el que se desarrollan. Los dos crean mensajes visuales, pero uno intenta determinar un único mensaje para un público determinado; mientras que el otro origina múltiples mensajes tantos como espectadores haya. Así como el diseño se inmiscuye en campos propios del arte, el arte también lo hace en espacios propios del diseño. Por eso, intentar separarlos a toda costa como si fueran dos entes completamente diferente es en vano. Lo más enriquecedor de esto es la posibilidad de aprendizaje que puede lograrse entre una disciplina y la otra.
Ahora bien, ¿es el diseño el que se apropia de los terrenos del are?... o ¿es el arte quien se apropia de la concepción industrial y comercial del diseño? Responded vosotros mismos.
Y ahora, os voy a mostrar 8 tendencias de diseño que han protagonizado este 2019.
1. Explosión de colores vivos.
Amarillos eléctricos, corales brillantes, azules vivos... Lo pop llega a 2019 con toda la fuerza del mundo, sustituyendo las paletas de colores discretos de temporadas pasadas. Si el año pasado imperaban los colores audaces, este año el color gana en viveza, incluyendo tonos más claros pero intensos y llamativos. Un ejemplo claro de ello, lo tenemos en Apple, que hace unas semanas incluía este tipo de colores en sus diseños.
O el diseño de este informe anual:
2. Fuertes puntos focales tipográficos
Quizás para hablar de otra de las tendencias de diseño gráfico en 2019, podamos hablar de una conocida marca: Adidas. En las últimas temporadas, la compañía ha optado por utilizar fuentes en negrita en todo su marketing.
Y es que las tipografías en negrita facilitan la lectura de los textos, especialmente en medios online, además de aportar una imagen de fuerza, audacia, innovación e individualidad. Este año serán los protagonistas indiscutibles, el punto focal principal en gráficos y creaciones, solas o en combinación con otros elementos competitivos. Aquí os lo muestro:
3. Influencia futurista.
Las influencias futuristas serán la corriente principal de diseño en 2019. Ha llegado la hora de que el diseño refleje esta ética futurista que, según el cine de antaño, estamos viviendo ahora. ¿Cómo? A través de texturas, patrones y colores futuristas. De hecho, que este año se hayan llevado los colores vivos y eléctricos no es una simple casualidad, ¿no crees?
4. Esquemas de color claro y oscuro.
Algunas compañías tecnologías como Apple o Facebook ya lo han utilizado en sus aplicaciones. Nos referimos a la combinación o versiones de colores claros y oscuros en un mismo diseño, lo que aporta una gran flexibilidad al trabajo final. Veamos ejemplos:
5. Degradados complejos y duotonos.
Nada como un degradado para dar esa sensación de profundidad a los diseños. Esto es muy notable en los dispositivos móviles, Y este año lo hemos tenido como tendencia.
6. Minimalismo colorido.
Mucha gente lo ha confundido con el uso específico del blanco y el negro, o paletas de colores neutros, pero el minimalismo consiste en reducir el diseño a los componentes necesarios. 2019 fue un año acompañado de color y creatividad.
7. Ilustraciones dinámicas y detalladas, hechas a mano.
Las ilustraciones personalizadas o dibujadas a mano son la mejor forma de destacar por la autenticidad ( y evitar innecesarios plagios). El año pasado ya habían marcado tendencia, pero si en en 2018 hablábamos de ilustraciones simples, en 2019 lo haremos con dibujos dinámicos, más completos y complejos.
He aquí un ejemplo claro. En la primera imagen podemos ver una serie de ilustraciones que Mailchim había realizado el año pasado. Son dibujos simples que contrastan con las nuevas creaciones de la compañía, en segundo término. Otro enfoque con ilustraciones más complejas, con ese toque de autor que particularmente a nosotros nos encanta.
8. Fotografía auténtica y genuina
Los creativos y directores de arte se han ido orientando más hacia la fotografía de autor, auténtica y genuina, que contrasta con las típicas imágenes que podemos encontrar en cualquier banco gráfico. Las fotografías que se llevarán en 2019 deben parecer como tomadas con la cámara o el móvil de alguien, no por profesionales. Por lo que ¡menos edición y más originalidad y frescura!
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