jueves, 28 de noviembre de 2019

Robots artistas

Hoy en día, estamos viendo como los robots hacen prácticamente cualquier trabajo excepto los que están relacionados con el arte, ya que en este campo tienen mayor dificultad para desarrollar la creatividad.... ¿o eso era antes?


Pero, ¿y si te dijera que hay un robot humanoide que pinta cuadros? Os presento a AI-DA, un robot humanoide artista que expone sus cuadros en la Universidad de Oxford.

Esta robot humanoide se ha hecho famosa por haber logrado adquirir la destreza de pintar obras de arte con asombrosa calidad, y su nombre es en honor a una informática, matemática y escritora llamada Ada Lovelace. 
Aidan Meler, su creador, comenzó a trabajar en su diseño en 2017 en la Universidad de Oxford y ahora, después de concluir su periodo de aprendizaje, Ai-DA, es capaz de pintar un cuadro en 1h. Con pelo natural incrustado, piel de silicona y dientes fabricados en impresoras 3D, Ai-DA es mostrada al mundo como uno de los robots humanoide más avanzados. 

Sus trabajos han sido expuestos en la Universidad de Oxford, lugar en donde han habilitado el espacio "The Barn Gallery" para que éstos puedan ser visitados. 

La exposición se llama "Futuro sin garantías", título que expresa a la perfección el momento en el que nos encontramos frente a la Inteligencia Artificial 





¿Ai-DA vendió muchos cuadros? 


Las críticas recibidas por las obras presentadas han sido satisfactorias, ya que su estilo expresionista y el hiperrealismo con el que ha sido capaz de representar los retratos, ha sorprendido a más de un experto. 

Las ventas de sus cuadros han superado los pronósticos, y en apenas 15 días habían llegado al millón de euros. Con el dinero recaudado, han anunciado que lo van a invertir en seguir desarrollando a Ai-DA, que aparte de ser laborioso, es un proyecto excesivamente costoso. 
Aquí os dejo un vídeo por parte de Vodafone y El País, que nos da a conocer a esta "curiosa artista".

¿Puede ser este el fin de los pintores?

Afirmarlo sería excesivamente arriesgado. No obstante, el arte siempre ha estado expuesto a diferentes enfoques e influenciado por la pluralidad de las corrientes artística existentes en cada momento. De igual modo hay que reconocer que, el arte, históricamente ha transigido con las corrientes divergentes, y en estos momentos, apenas vislumbramos la punta del iceberg de la Inteligencia Artificial. 

Pero ahora, bajemos un poco más de esa perfección de robot que parece una mujer de verdad. Os doy a conocer a una máquina que pinta como Monet, y que además, borra sus pinturas si no son perfectas. Esta máquina es capaz de aprender sola y de incorporar a sus cuadros detalles de quienes le observan mientras trabaja.


Y es que este robot es capaz de pintar como si fuese un artista impresionista. Los ingenieros que lo han diseñado lo han programado para aprender y también para añadir a sus cuadros detalles de las personas que están a su alrededor. La máquina, que trabaja de un modo minucioso y concienzudo, es el resultado de la colaboración del banco francés Rosbank y del fabricante de tecnología japonés Hello Computer y ha sido presentada, con un gran éxito, en una muestra internacional en Rusia. 

Este enorme dispositivo, que cuenta con un brazo articulado que sujeta un pincel, lo impregna de pintura y realiza trazos sobre el lienzo, fue expuesto durante dos semanas en el parque Sokolniki de Moscú. Estaba centro de un gran cubo de vidrio y avanzaba en su tarea bajo la atenta mirada de los transeúntes. El invento era el resultado de muchos meses de indagación, creación de prototipos y desarrollo de soluciones en función de los problemas que iban apareciendo. Así se llegó a un programa informático que tiene la facultad de evolucionar como si fuese una persona. 


Prueba de esta propiedad es que, en una ocasión, tras acabar un dibujo, lo tachó porque no estaba satisfecho del resultado. Esta característica, más emocional que técnica, evidencia que en todo momento mantiene una actitud muy crítica ante la progresión de su labor. 

Pues bien, este robot fue instalado al exterior para pintar dos símbolos de la capital rusa:; los arcos del parque Sokolniki y la catedral de San Basilio. Las fotografías de estos dos iconos fueron cargadas en el sistema y él empezó a reproducirlas siguiendo un riguroso mapa de colores. Pero el método escogido todavía fue más complejo. 

Este robot, que tomó el estilo de Claude Monet (1840-1926), el artista que acabó dando nombre a uno de los movimientos más populares de la historia con su obra "Impresión", sol naciente (1872), incluyó un escáner que permitió que los curiosos que le observaron en plena acción se convirtiesen den coautores de sus cuadros. 
Os estaréis preguntando cómo, pues de una manera muy ocurrente: los tonos de su ropa fueron incorporadas a la paleta, con lo que estas representaciones ganaron en realismo, como destaca un portavoz de Hello Computer, Masim Yakhontov. 

En cifras, la máquina escaneó a 1.300 residentes, invirtió 40 horas de actividad constante, consumió dos litros de pintura y dio 20.000 toques de pincel en cada imagen. Sus promotores quisieron compartir esta experiencia a gran escala y llevaron el aparato a la Exposición Innoprom, en Ekaterimburgo. Igualmente, allí llamó la atención su interés por entregar lienzos impecables, es decir, por ir más allá del mero encargo y aspirar a la perfección. 

En buena medida, esta propuesta coincide con la de Patrick Tresset, quien combina robótica y dibujo. Por ejemplo, en la exposición Machine Studies, organizada en Londres, colocó una veintena de máquinas que consistían en una cámara y un brazo mecánico con un bolígrafo, todas ellas controladas por un ordenador portátil. Estos aparatos conversaban entre si valiéndose de un lenguaje inspirado en el código Morse y en los días de colegial de Tresset en Francia. 







miércoles, 27 de noviembre de 2019

Surrealismo

El surrealismo o superrealismo es un concepto que proviene del francés surréalisme. Se trata de un movimiento literario y artístico que busca trascender lo real a partir del impulso psíquico de lo imaginario y lo irracional.
Surrealismo
El dadaísmo (que se opuso a la razón positivista y se rebeló contra las convenciones literarias burguesas) es el antecedente inmediato del surrealismo, cuyo primer manifiesto fue firmado por el poeta y crítico literario francés André Breton en 1924.
Los surrealistas persiguen la verdad mediante escrituras automáticas donde se omiten las correcciones racionales. Los escritos surrealistas se basan en la utilización de imágenes para la expresión de emociones.
El término surrealismo fue acuñado por Guillaume Apollinaire en 1917, cuando lo utilizó en el marco del programa que escribió para el musical “Parade”. Con el correr de los años, la noción experimentó diversos cambios y alteraciones.
Muchos han sido los artistas que se han convertido en auténticos referentes del surrealismo a lo largo de la historia. No obstante, entre todos ellos podríamos destacar, por ejemplo, al francés Marcel Duchamp que pasó a ser además un referente para el conocido movimiento pop. Entre sus obras más conocidas se encuentra “La fuente”.
De la misma forma, tampoco hay que pasar por alto al español Salvador Dalí. Uno de los mayores y mejores representantes del surrealismo es este que tiene quizás como obra más significativa aquella que lleva por título “La persistencia de la memoria”.
Man Ray, Meret Oppenheim o Masson también son artistas fundamentales a la hora de entender este movimiento artístico que se hizo extensible no sólo a la pintura sino también a otros campos. De esta manera, hay que subrayar que al cine llegó de manos de ilustres directores que marcaron un antes y un después en la historia de aquel.
En concreto, merece la pena destacar a insignes personajes como al español Luis Buñuel que, precisamente junto a Dalí, creó una película que se ha convertido en una producción de culto. Nos estamos refiriendo a “El perro andaluz” (1928).
En la literatura, por su parte, hay que subrayar a Pierre Naville o André Breton. Y mientras en las artes plásticas en general también se apostó de manera contundente por el surrealismo gracias a la influencia que pintores, escultores, cineastas y literatos estaban ejerciendo en todos los ámbitos de la vida.
El surrealismo, más allá de su apariencia irracional, adquirió conciencia política a partir de 1925, cuando estalló la guerra de MarruecosBreton, de hecho, se adhirió al Partido Comunista (PC).
Existieron, sin embargo, conflictos entre quienes sostenían que el surrealismo debía ser un movimiento puramente artístico y aquellos que impulsaban un giro del movimiento hacia la izquierda revolucionaria.
En cuanto al aspecto artístico, una de las principales innovaciones del surrealismo fue la técnica del cadáver exquisito, que consiste en la creación colectiva de un conjunto de imágenes o textos. Un artista comienza una obra y se la pasa a otro artista, quien la continúa sin mirar lo que hizo el creador precedente.

Exponentes del movimiento surrealista

André Breton (1896 – 1966)




Breton fue un escritor y poeta francés, considerado el padre del surrealismo. Sus escritos muestran ciertas características del dadaísmo, movimiento artístico que precedió al surrealismo y que sentó las bases para el desarrollo del surrealismo.
Entre sus escritos, destacan «Nadja» (1928), «¿Qué es surrealismo?» (1934) y» Manifiesto surrealista» (1924), obra que apoyaba la libre expresión y la liberación del subconsciente.

Salvador Dalí (1904 – 1989)




Dalí fue un pintor y escritor español. Es probablemente uno de los artistas más conocidos del movimiento. Entró a formar parte del círculo surrealista después del estreno de “Un perro andaluz”.
En sus pinturas, combinó elementos superrealistas e hiperrealistas, las cuales muestran una fuerte influencia de las teorías psicoanalíticas de Sigmund Freud. Entre sus obras destacan “La persistencia de la memoria” (1931) y “Cisnes reflejando elefantes”.


Frida Kahlo (1907 – 1954)




Frida Kahlo fue una pintora mexicana conocida por sus autorretratos. Su vida estuvo marcada por la enfermedad: a los 6, sufrió polio, enfermedad que dañó su pierna derecha y a los 18 años, sufrió un accidente automovilístico que hirió gravemente su columna vertebral y la pelvis. En total fue sometida a 35 operaciones, periodo en el que Frida Kahlo comenzó a pintar.
Sus pinturas están fuertemente influenciadas por la cultura mexicana y expresan el sufrimiento que tuvo que atravesar después del accidente, así como el daño físico y psíquico que este le generó.


Pablo Picasso (1881 – 1973)




Este pintor español destacó por sus esculturas y pinturas con influencias de varios estilos, entre ellos el surrealismo. También abordó la cerámica, el dibujo o el diseño de vestuario para piezas teatrales.
Pablo Picasso está considerado uno de los pintores más importantes del arte español del siglo XX por ser testigo de su tiempo. Su obras más importante «El guernica», representa la tragedia del bombardeo sobre el pueblo español de Guernica, expuesto hoy en día en el Museo de Arte Reina Sofía de Madrid.

Características del arte surrealista
  • El surrealismo se caracteriza por hacer representaciones del inconsciente, de fantasías y de sueños, así como de la irracionalidad
  • Este movimiento adentrarse en más profundos del pensamiento
  • Se apoya de una serie de técnicas que buscaban la libertad de creación y olvidando la razón.
  • Se crean imágenes erróneas de forma que una cosa u objeto puede interpretarse de diversas maneras dejado al espectador un tanto desorientado
  • La imaginación se utiliza como lógica.
  • Dentro del surrealismo podemos se da la fabricación de objetos, el ensamble de objetos y los collages.
  • El Forttage, que son dibujos creados con el roce de superficies rocosas
  • Utilizaban la técnica de “Cadáver Exquisito”, en donde varios artistas dibujaban diversas partes de un texto o una figura.
  • La inspiración se basaba en los pensamientos prohibidos y ocultos
  • Los artistas inventan universos figurativos propios.
  • El surrealismo abstracto enfatiza aspectos cromáticos, formales, estructurales de una obra, sin imitar modelos o formas naturales.
  • Se divide en surrealismo figurativo y abstracto.
LA REVOLUCIÓN DEL SURREALISMO
“El verdadero objetivo del surrealismo no era el de crear un movimiento literario, plástico, ni siquiera filosófico nuevo, sino el de hacer estallar la sociedad, cambiar la vida” (Luis Buñuel)
De Dada a Freud
Ver las imágenes de origenCuando la humanidad estaba poseída por el futuro de progreso que el Siglo de las luces anunciaba, Goya advertía que “el sueño de la razón produce monstruos”. Poco más de un siglo después, la Iª Guerra Mundial demostró el grado de barbarie, la magnitud de los demonios que albergada la moderna sociedad burguesa.
Y el arte se hizo vanguardia, no de sí mismo, sino de una nueva conciencia que impugnaba todos los valores, principios y jerarquías de un poder que ya era insoportable.
El dadaísmo dinamitó los candados, pegó una patada en la puerta y abrió nuevos horizontes antes prohibidos por decreto. Sin destrucción no puede haber construcción. Y la primera oleada de la vanguardia se lanzó al abismo, entregándose a una frenética carrera por pulverizar todo lo sagrado, todo lo que defendía o sustentaba el orden social.
En ese valiente e inabarcable empeño, insólito por su radicalidad en la historia del arte, el dadaísmo acabó devorándose a sí mismo. Pero de sus cenizas surgieron nuevas y más fructíferas vanguardias.
Sin el dadaismo jamás hubiera existido el surrealismo, el movimiento que convirtió las vanguardias en un fenómeno universal y popular.
El 1924, el Manifiesto del surrealismo, redactado por André Breton no esconde sus intenciones, afirmando que “el surrealismo pretendía ante todo provocar, en lo intelectual y en lo moral, una crisis de conciencia del tipo más general y grave posible”.
Buñuel, que se adhirió fervientemente al surrealismo, puso todas las cartas encima de la mesa afirmando que “todo aquello que no ataque a la sociedad y las instituciones no es surrealista”. Estableciendo, con una energía tan caótica y radical, que “nosotros, los surrealistas, quisimos una revolución del pensamiento que condiciona la vida humana. ¡Atacar el espíritu y no la materia! ¡Cambiar las bases sociales!”. «El surrealismo sabe que un nuevo mundo es posible, y que el arte puede ser una de las fuerzas que contribuyan a su nacimiento «
Y en ese camino, los surrealistas empuñaron un afilado cuchillo que permitió al arte liberarse de pesados fardos y adquirir otra mirada.
Freud había fundado una nueva ciencia, el psicoanálisis, destronando a la Razón del puesto de mando, rebelando la potencia del inconsciente, revelando la moral que domina nuestra conciencia busca castrar los deseos más íntimos de cada individuo para garantizar el orden social.
Gracias al psicoanálisis, los surrealistas descubrieron que el arte debía parecerse al sueño, despreciado por el pensamiento racional porque allí estaba la verdad que escapaba a la censura impuesta en la vigilia.
Es Buñuel quien nos desvela como este es el ariete que ha permitido al surrealismo una capacidad de conexión y expansión superior al resto de vanguardias: el surrealismo no hace más que animar la realidad corriente con toda clase de símbolos ocultos, de vida extraña yacente en el fondo de nuestra subconsciencia y que la inteligencia, el buen gusto, la mierda poética tradicional, habían llegado a suprimir por completo. Por eso es tan vital, está tan cerca de las fuentes primeras de la vida, del salvaje y del niño. Es una realidad auténtica sin deformaciones a posteriori”.
La vanguardia que nace de la revolución
Frente al dadaismo, cuya efímera vida es comparable a la de una llama que necesita consumirse para iluminar, el surrealismo es la corriente de las vanguardias que más perdurará y mayores efectos tendrá no solo en el arte sino también en la conciencia global de la humanidad.
Es el resultado de la unión entre la vanguardia y la revolución. El dadaísmo estaba poseído de un ansia destructiva del orden establecido, el surrealismo sabe que es posible transformar la sociedad, cambiar el mundo de base. La influencia de la Revolución de Octubre, el poderoso ejemplo de las vanguardias rusas alumbrando un arte que no aspire a reflejar la realidad sino a transformarla de raíz, serán decisivos.
El Segundo Manifiesto Surrealista proclama “nuestra adhesión al principio del materialismo histórico”. Y el órgano principal de los surrealistas pasa a llamarse “El surrealismo al servicio de la revolución”.
Luis Buñuel, que se afilió al Partido Comunista Francés, como otros muchos surrealistas, “confesaba” explícitamente que “la revolución surrealista luchaba por una revolución mundial, la «revolution totale» (…) Nosotros poníamos el surrealismo al servicio de la revolución proletaria mundial”.
El avance práctico de la revolución proporciona al arte un nuevo horizonte. Del nihilismo, revolucionario pero sin alternativa posible, del dadaismo, el surrealismo sabe que un nuevo mundo es posible, y que el arte puede ser una de las fuerzas que contribuyan a su nacimiento.
Esto proporciona al surrealismo una radicalidad todavía mayor que el dadaismo, porque a la provocación contra todo lo establecido y su voluntad de destruirlo une todo un mundo por conquistar.
Y al mismo tiempo, una creatividad artística y una capacidad de conexión con la sensibilidad social que sigue ejerciendo una extraordinaria capacidad de atracción y fascinación.
España, capital del surrealismo
París será el escenario donde el surrealismo se presente ante el mundo. Pero si preguntáramos, en cualquier país del mundo, cuáles son los artistas surrealistas más relevantes, todos mencionarían a Lorca, Dalí y Buñuel.
España, a principios del siglo XX un país de segundo o tercer orden, se coloca a la cabeza de la cultura universal. Casi nunca ha sucedido, los grandes centros irradiadores de cultura se corresponden con las potencias dominantes. Pero el carácter revolucionario de las vanguardias, y los efectos de la debilidad de las potencias que dominaban en España, como Inglaterra o Francia, permitió que se expresaran las enormes potencialidades de la sociedad española, también en el terreno artístico.

Arte virtual

La realidad virtual se ha convertido en símbolo de innovación y modernidad en el arte. Ésta está presente en gran cantidad de disciplinas como la medicina, la educación o el entretenimiento.


La innovación y la modernidad siempre han sido características fundamentales del arte vanguardista. El impulso de romper con las reglas establecidas, alejarse de la mediocridad y soñar con lo desconocido. Luchar contra lo tradicional en busca de la originalidad, utilizar nuevos soportes que renuevan y mejoren lo visto hasta ahora, en definitiva, la revolución artística. 
La realidad virtual entra de lleno en este escenario, desde su excepcional y sorprendente singularidad. Algunos artistas están usando esta tecnología para expresar sus sentimientos y emociones de una forma distinta. 

A medida que los sistemas de realidad virtual se hacen más accesibles, muchos artistas encuentran en sus equipos VR un nueva forma de crear. 
Porque es difícil tomar la perspectiva de un objeto en tres dimensiones si estamos trabajando en un entorno de sólo 2D, como una hoja de papel o una pantalla. Ahora, los cascos de realidad virtual ofrecen una alternativa para poder vivir de cerca al proceso creativo. 

Estas nuevas herramientas, a medida que se vayan especializando y a medida que los desarrolladores profundicen en ellas, podrían cambiar la manera en la que son diseñados los personajes de nuestras películas o nuestros videojuegos favoritos. Pero, al pensar en lo intuitivas que son estas mecánicas, ya que vivimos en un mundo con tres dimensiones y esa es la forma más natural para nosotros de expresar y procesar lo que imaginamos, no sería extraño que los kits de realidad virtual lleguen a muchas casa en un futuro y que desde niños hasta artistas más experimentados cambien el mundo del arte. 

A continuación vamos a hablar de algunos casos.

Elizabeth Edwards es una artista 3D para el estudioCreative Assembly, cuyo trabajo más reciente es Total War: Warhammer, un juego que requiere una gran cantidad de personajes únicos y con un diseño más que particular. En el último tiempo se dedicó a subir proyectos propios realizados con un equipo de realidad virtual. 
Esta chica empezó a trabajar en 3D hace aproximadamente siete años en la universidad, mientras realizaba un curso de arte y videojuegos, creando sorprendentes obras de arte, pues utiliza el arte 3D de una manera más original e innovadora que otros creadores.
Aquí os dejo un link para que veáis una de las obras que realizó usando esta tecnología. https://skfb.ly/6Hpn8

Otro artista es Shezad Dawood, un chico que trabaja a través del cine, la pintura y la escultura para yuxtaponer imágenes, lenguajes y narrativas, utilizando el proceso de edición como un método para explorar significados y nuevos canales en los cuales convergen el cine y la pintura, En numerosas ocasiones, su arte implica la colaboración de grupos e individuos procedentes de distintos territorios para trazar líneas físicas y conceptuales que relacionan localizaciones geográficas y comunidades, por ejemplo.
Con el link que os dejo a continuación podréis ver un vídeo en el que se ve una de sus obras de arte. https://www.nobbot.com/general/9-artistas-realidad-virtual/

Vamos a hablar de Stuart Campbell, un artista que evolucionó su arte del 2D al 3D por arte de magia. Su trabajo se esfuerza en lograr algo único con el arte 3D, mostrando las innumerables posibilidades del medio. Y está convirtiendo el mundo del arte 3D y la realidad virtual en el suyo con un estilo muy personal. 
Este hombre comenzó su carrera como diseñador Senior Interactivo para Sprint en el ala 2000, más tarde trabajó en una variedad de instalaciones para el Museo Nacional de Australia. Sus trabajos fueron evolucionando a mejor hasta los años 2015-2016 donde desarrolló los proyectos Exponius Museum, The Ocean is Broken, Razorlegs y These Memories Won´t Past. Entre muchos otros premios, Stuart Campbell posee el Premio Gold Ledger en 2016 - Neomad, edición impresa, ganador en 2015 y 2016 del Neo Future Ateles in Residency en Finlandia, en 2013 el Japan Media Arts festival - Jury Selection - Ngurrara etc.
Entrad en este link si queréis experimentar su obra de arte. https://www.youtube.com/watch?time_continue=6&v=63uf160lVpA&feature=emb_logo

Y a continuación voy a hablar de un artista español. Solimán López, es un hombre nacido en Burgos y es el director de ESAT LAB, Escuela Superior de Arte y Tecnología en Valencia, que basa su actividad artística en el cruce continuo entre lo tangible y lo inmaterial, centrándose en la idea de la identidad no digital y la sobreexplotación instantánea de la privacidad, dentro de nuestro contexto social. Todo ello con el uso de las nuevas tecnologías como motor artístico y diferencial.
Este artista también es creador de Harddiskmuseum, un espacio que pretende transformar e introducir la idea de museo en disco duro, incorporando un sistema interactivo y un trabajo colectivo.
Aquí os dejo el link para que veáis su nueva exposición de arte virtual: https://www.esat.es/nueva-exposicion-de-soliman-lopez-skinning/

Pero esto no sólo se queda en casos personales, y aquí es donde entra el Museum de Nueva York. Este es uno de los espacios más importantes que están dando a la realidad virtual. Un ejemplo de ello, es la "First Look: Artist VR", una exposición de obras diseñadas con realidad virtual para móviles. Artistas como por ejemplo, Jeremy Couillard, Jayson Musson o Rachel Rossin mostrarán sus obras y reflexionarán sobre las posibilidades de trabajar con esta tecnología. Con este link podréis acceder a Google Play en los móviles Android para descargaros la aplicación de la exhibición
https://play.google.com/store/apps/details?id=com.eevo.mobile.android.newmuseum&hl=en



Y hablando de Google, esta famosa empresa sacó al mercado Tilt brush, la aplicación de arte por excelencia. Para poder usar esta app debes utilizar unas gafas de realidad virtual. Con esta herramienta podremos crear obras en 3D y dibujar cualquier cosa que imaginemos. Esta app ofrece una experiencia virtual excelente, sin duda la herramienta virtual para los más creativos.
Si queréis la presentación que realizó Google, aquí os dejo el vídeo para verlo.







El software de diseño y el arte.

Como habrás visto en este blog, estamos uniendo el arte con la tecnología de nuestros días, y como gracias a éstas, los artistas pueden crear sus obras de arte de una forma más dinámica y pueden compartirlas por todo el mundo de una manera más sencilla. 


Así que en esta entrada vamos a hablar de la herramienta que ayudan los artistas contemporáneos para hacer sus creaciones, los softwares de diseño o programas de diseño. 

Quien quiera lanzarse al mundo del diseño gráfico, la ilustración digital o el retoque. fotográfico, tiene ante sí un amplio abanico de posibilidades y programas entre los que poder elegir para realizar un trabajo. La suite Adobe, por ejemplo, representa sin duda una excelente elección para un trabajo profesional. Tanto por Photoshop (para el retoque fotográfico o el diseño digital) como por Illustrator (para la gráfica vectorial) o Lightroom (para la posproducción), el paquete Adobe es una de las opciones de pago más usadas por diseñadores gráficos, ilustradores. y fotógrafos. 

Pero no todo el mundo puede permitirse para una suscripción mensual a uno o a más programas de Adobe Creative Cloud, sobre todo si está empezando o si quiere iniciar una nueva carrera en el diseño y practicar, o simplemente si necesita una herramienta gratuita para poder hacer unos proyectos específicos. En internet hay disponible una amplia gama de programas de diseño gráfico gratis, pero es innegable que es necesario seleccionar bien los recursos gratuitos. De lo contrario, uno se arriesga a perder el tiempo y a quitárselo a la fase de aprendizaje y práctica, algo fundamental si se va en serio. 

Así que os proponemos una selección de 5 programas de diseño gráfico gratis, útiles para llevar a cabo un trabajo. Junto al nombre de cada programa está el enlace para descargarlo, y más abajo, las plataformas compatibles. 

1. Gravit Designer - Descarga o usar online

Antes conocido como Gravit, Gravit Designer es una suite. de diseño vertical vectorial muy completa y adecuada para distintos tipos de trabajos, desde el diseño de iconos hasta las presentaciones, ilustraciones y animaciones. Nada más entrar en el programa, se pueden decidir las medidas del área de trabajo, además de formatos estándar como Blog Cover, Facebook Cover o diseños gráficos pensados para rellenar prefectamente. la pantalla del iPhone 11, por lo que el programa está claramente al día. 

Ejemplo de la interfaz de Gravit Designer. 

La interfaz es muy sencilla e intuitiva y ofrece un interesante set de herramientas para crear imágenes vectoriales complejas con cambios no destructivos, incluso diagramas. Entre las herramientas que ofrece, está, por ejemplo, la pluma, la herramienta de recorte y la de selección. También se pueden crear formas sencillas y hay un sistema que las completa automáticamente, pero también ofrece formas compuestas vectoriales uniendo objetos diferentes. 
Se trata de uno de los programas de diseño gráfico online más versátiles en circulación, adecuado tanto para quien esté empezando como para los diseñadores más expertos. Los archivos se pueden exportar a PDF, SVG o bitmap y también hay un servicio, Gravit Cloud, que te permite tener acceso a todos tus trabajos desde cualquier lugar. 
Las plataformas con las que está compatible son: en el navegador, en PC Windows, Mac, Linux y ChromeOS

2. Inkscape 

Inkscape siempre aparece en las listas de programas de diseño gráfico vectorial y es muy versátil y potente. De hecho, es una de las mejores soluciones gratuitas y de código abierto que se pueden utilizar como alternativa a Illustrator. Se centra en los formatos SVG (Scalable Vector Gráfico, pero permite importar y expotar muchos otros formatos. Inkscape ofrece máxima compatibilidad con varios formatos propios (en especial Al, EPS, PDF, JPEG,GIF Y PNG). 
Incluso aunque no tenga la infinidad de funciones de Illustrator (como los "plug-ins" o complementos externos y los filtros), Inkscape hace su trabajo: desde lo más básico, como crear y modificar formas complejas en capas, editar textos e importar imágenes máster, hasta crear animaciones Gif. Los mismos desarrolladores, además de la gran comunidad de Inkscape, han incluido varios totorales para que resulte más fácil familiarizarse con el programa. 

Interfaz de Inkscape. 
El límite real de Inkscape es el hecho de que no permite trabajar en CMYK (fundamental para crear trabajos para impresión), sino solo en RGB (generalmente usado para trabajos destinados a Internet). Probablemente, la opción compatible con ele modo de color CMYK llegara con las próximas actualizaciones. Mientras tanto, se puede terminar de diseñar una creación en Inkscape e importarla en Scribus, otro programa gratuito compatible con CMYK, siguiendo este tutoría. Un poco enrevesado, pero es el precio que hay que pagar por tenerlo todo gratis. 
Plataformas compatibles: PC Windows, Linux, Mac. 

3. Krita. 

Se trata de un programa de diseño digital realmente versátil, en desarrollo desde 1999 y diseñado por artistas del campo del arte conceptual, textura painting y matte painting, e ilustradores y dibujantes de cómics. Ya viene con una serie de pinceles adecuados para diferentes tipos de trabajos y estilos, pero también hay muchos complementos disponibles para insertar filtros avanzados y guías avanzadas con el objetivo de hacerle la vida más fácil a los artistas. 

Ejemplo de interfaz de Krita. 
Las posibilidades que ofrece esta programa van más allá, como por ejemplo, el estabilizador del pincel, que permite diseñar líneas suaves incluso a aquellos con mal pulso, crear fácilmente patrones, texturas y una paleta de colores emergente para elegir rápidamente el más adecuado para el diseño en el que se esté trabajando. Si, Krita es compatible con el modo de color CMYK (además de, obviamente, con RGB), pero también tiene funciones avanzadas que difícilmente se encuentran en otros programas de diseño gráfico online y gratuitos, como el diseño en HDR. 
Las plataformas con las que está disponible son: Mac, Windows, Linux. 

4. Pixlr 

Se trata de una aplicación de retoque fotográfico tanto para smartphones Android como para iOS. La aplicación es gratuita (aunque incluye publicidad) y tiene más de 600 filtros para aplicar a las imágenes o fotografías recién sacadas. Por otro lado, se pueden añadir bordes, pegatinas, crear "collages" de fotografías para compartir después, y además, usar los filtros en tiempo real en las imágenes tomadas por la cámara del smartphone. Su uso es muy sencillo: una vez iniciada, se puede decidir si sacar una fotografía (para editar después), editar una fotografía ya existente o realizar un "collage". No se grata exactamente de un programa de diseño gráfico avanzado, sino de una herramienta útil para editar fotografías e imágenes desde el móvil. 


Plataformas con las que es compatible: Android e iOS

5. GIMP. 

A la hora de hablar de programas de diseño gráfico gratis, no podemos dejar fuera de la lista el programa GIMP (GNU Image Manipulation Program), una alternativa a Photoshop que, al principio, se estrenó en plataformas Unix. La interfaz de GIMP es diferente a la de Photoshop por varios motivos, aunque existe una versión que reproduce el aspecto del programa Adobe. Ofrece una larga serie de herramientas para dibujar, colorear y mejorar fotografías e imágenes, compatible con varios formatos sin problemas y, además, incluye un administrador de archivos similar a Adobe Bridge, siempre muy útil. 



Plataformas con las que está disponible: Windows, Mac, Linux. 

Programas de diseño gráfico online: otras alternativas gratis. 
Ciertamente, no existen solo cinco de programas de diseño gráfico gratis en Internet: a veces también depende de los gustos. Al ser todo gratis, merece la pena probarlos para encontrar el que más se acerca a lo que cada uno necesita. En Internet se pueden encontrar otros programas bien desarrollados, como los programas de diseño gráfico vectorial Vector y SVG Edit, para obtener fundamental imágenes vectoriales gratis. Para editar imágenes, también está Photo Pos Pro, mientras que para editar fotografías en el móvil está VSCO.