Visitas virtuales a los museos más famosos.

A muchas personas les gusta visitar museos para empaparse de arte y aprender de la historia del arte pero, ¿y si hay alguna persona que vive muy lejos o por otro motivo no puede asistir a una visita?
En esta entrada os comentamos la solución: visitas virtuales desde tu propia casa.

Y es que cada vez se ofrecen más visitas virtuales en los museos, como un añadido más a la oferta cultural de la institución en cuestión. Se proponen recorridos desde por sus exposiciones, salas, infraestructuras... desde la pantalla. Internet y las tecnologías hacen ya hace tiempo que brindan la oportunidad de vivir esta experiencia complementaria al museo. Es por eso que a continuación os dejamos una lista de varios museos que puedes visitar desde cualquier lugar. 

1. Smithsonian National Museum of Natural History, Washington.

Un desconocido para los ajenos a Estados Unidos, pero con un patrimonio incalculable y un excelente portal de visitas virtuales, el Smithsonian National Museum of Natural History, o también conocido como NMNH, dispone de una gran variedad de visitas virtuales sobre parte de sus obras, en las que podremos explorar algunas de las principales obras que albergan. A continuación os dejo un link para que podáis acceder a su página oficial y realizar una visita virtual. 

https://naturalhistory.si.edu/about/virtual-tour

2. Natural History Museum, Londres. 

Nos movemos a Londres para visitar uno de los museos relacionados con la ciencia, más conocidos del mundo: el Museo de Historia Natural de Londres. Éste tiene uno de los perfiles en YouTube más consolidados y potentes, con todo tipo de vídeos explicativos y educativos que cubren un abanico de más de 80 millones de años. Aquí os dejo un link que os llevará a su canal de YouTube.
https://www.youtube.com/user/naturalhistorymuseum

3. American Museum of Natural History, Nueva York. 

Con una superficie de unos 190.000 metros cuadrados y situado al lado de Central Park, el American Museum of Natural History es una de las principales visitas culturales de los turistas de Nueva York. Alberga unos 32 millones de especímenes, incluyendo todo tipo de plantas, animales, minerales, rocas o fósiles, entre otros, algunos de los cuáles podemos visitar virtualmente gracias a un acuerdo del AMNH junto con Google, que ha digitalizado la información y la pone a disposición del público en la app de realidad virtual Experiditions. Aquí os dejo el link que os llevará a su web oficial.

https://www.amnh.org/explore/news-blogs/news-posts/museum-joins-with-google-to-launch-virtual-reality-visits

4. The Oriental Institute, Chicago. 

Como parte de la Universidad de Chicago nade el Instituto Oriental, que trata todo tipo de obras sobre civilizaciones antiguas sobre las que también realiza investigaciones científicas: de Egipto, Siria, Israel, Turquía, Irán e Irak provienen los principales artilugios, de épocas de los más variopinto. Su visita virtual es completa, siendo un recorrido por la estancia donde se ubica el museo en Chicago. 

Aquí os dejo un link que os llevará a su página oficial. Además, abajo de ésta os encontraréis un botón "Take the Tour" que os llevará al tour virtual. 

https://oi.uchicago.edu/virtualtour

5. United States Holocaust Memorial Museum, Washington. 

Con sede en Washington, el USHMM trata todo lo relacionado con el holocausto nazii y tiene multitud de visitas online, que cubren aspectos diversos: desde el uso de propaganda por el partido, la vida de Anna Frank o varias decenas de temas más o menos específicos sobre la vida de aquella época. Más que obras artísticas, el UAHMM guarda interesantes historias y contextos que puedes visitar desde tu ordenador, en cualquier parte del mundo. 

El link de la página oficial, aquí abajo 👇🏼

https://www.ushmm.org/information/exhibitions/online-exhibitions

6. Museo Del Prado, Madrid

Su página web (haz click en este enlace para entrar en ella https://www.museodelprado.es ) ofrece muchas posibilidades, y está completa en varios sentidos, pero, lo que más os interesará es el apartado "Colección", donde encontraremos la inmensa mayoría de obras que almacena con todo lujo de detalles: descripciones, autorías, contextos, épocas y un sinfín de datos relativos a las obras, muchas de ellas pertenecientes al patrimonio histórico de autores españoles. 

7. MoMa, Nueva York. 

En pleno Manhattan se encuentra del The Museum of Modern Art, más conocido com el MoMa de Nueva York. Un museo de arte moderno que alberga algunas de las obras más representativas de autores de los siglos XIX y XX, como Picasso, Dalí, Van Gogh, Matisse u otros cientos de conocidos autores. Cómo acercarse a Nueva York es algo que no siempre es posible, qué mejor que echar un vistazo a esta visita virtual y muy explicativa llamada "Destination", diseñada especialmente para que los más pequeños puedan dar "una vuelta" por el MoMa si moverse de clase. https://www.moma.org

8. British Museum, Londres. 

En pleno centro de la capital inglesa nos encontraremos con varios de los principales museos del mundo, y uno de ellos es el British Museum de Londres, dedicado a la historia más general del ser humano en cuanto al arte y a la cultura, con una colección de las más grandes del mundo y con algunas de las piezas clave de nuestro pasado. En lo referente a las visitas virtuales, Google colaboró con "el British" para el desarrollo de esta herramienta online que nos muestra algunas de las obras que contiene, ordenadas por época y región, y con todo lujo de detalles. Otra herramienta, también creada en colaboración con Google, es este paso por algunas de las salas gracias a la herramienta Street View, cuyo enlace lo tenéis aquí https://britishmuseum.withgoogle.com 

9. Louvre, París

Una de las principales referencias en cuanto a museos se refiere es el Louvre de París y su curiosa entrada que todos tenemos grabada en la retina. En el Louvre podemos ver obras de arte pictórico y esculturas relativas a Egipto, al Islam o antigüedades orientales, así como de pintura occidental como la conocida Gioconda de Da Vinci. Las visitas virtuales disponibles que ofrecen son un total de tres, accesibles de forma completamente gratuita y que nos permiten recorrer los pasillos y conocer los detalles de las principales obras. (https://www.louvre.fr ) 

10. Metropolitan Museum od Art, Nueva York. 

De nuevo volvemos a América para visitar el Metropolitan Museum of Art, en Nueva York. En pleno Central Park se encuentra uno de los museos más amplios del mundo, con todo tipo de obras pictóricas, esculturas u objetos de decenas de culturas, de todos los periodos históricos. En una colaboración con Google podemos dar una vuelta por sus pasillos y salas, descubriendo casi 200 de las obras de todas las edades y culturas. https://www.metmuseum.org

12. Museo Arqueológico Nacional, Madrid. 

Desde 2017 es posible acceder de forma virtual a más de 13.000 obras y objetos arqueológicos de las más de 40 salas del Museo Arqueológico Nacional. Bajo el nombre de MAN Virtual, los usuarios que acceden pueden realizar una visita libre que les permite moverse por las salas y pintar en los 3.802 puntos de interés que amplían información de las obras. 

https://manvirtual.es

13. Museo de Ciencias Naturales, Madrid. 

Con esta visita virtual, los estudiantes podrán ver alguna de las piezas que le podrán sorprender y que les permitirán conocer mucho mejor los contenidos de Ciencias Naturales. Encontrarán más de 160 piezas únicas y dos exposiciones virtuales que podrán conocer con todo detalle, además de consultar la información y aspectos de interés sobre las mismas. Si hacéis click en el siguiente link, llegaréis su página en donde os podréis descargar la aplicación para realizar una visita por realidad virtual https://artsandculture.google.com/partner/museo-nacional-de-ciencias-naturales-mncn-cesic

14. Museos Vaticanos, Vaticano. 

Muestran la extensa colección de obras de la inglesia católica. El conjunto se compone de diferentes edificios de museos temáticos, edificios pontificios, galerías, monumentos y jardines a la que se suma la Biblioteca Vaticana. Al contener algunas de las obras cumbre de los genios del Renacimiento y por su valor arquitectónico, esta visita puede ser una gran experiencia para los alumnos. 

(http://www.vatican.va/various/cappelle/index_sistina_it.htm )

15. Museo Picasso, Málaga.

Una asignatura obligatoria en cualquier clase: conocer la obra de Picasso, uno de los mayores genios de la pintura española. Aunque el museo se encuentra en Málaga, con esta visita los alumnos podrán conocer todas las obras que alberga. https://www.museopicassomalaga.org

16. Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York. 
En este museo, uno de los tantos que ocupan las calles de la Gran Manzana neoyorquina, se pueden encontrar más de 1.600 obras de artistas renombrados como Dalí, Picasso o Manet. A grandes rasgos, las piezas de su colección se pueden clasificar en tres grupos: impresionismo, modernismo temprano y arte contemporáneo. No obstante, en los años 40 adquirió su gran fama y estatus como "Museo de Pintura Abstracta". Con este link entraréis en Google Arts & Culture donde podréis visitar el museo gracias a una cámara en 360º https://artsandculture.google.com/streetview/solomon-r-guggenheim-museum-interior-streetview/jAHfbv3JGM2KaQ?sv_lng=-73.95902634325637&sv_lat=40.78285751667664&sv_h=31&sv_p=0&sv_pid=MfnUmHRyOSzMtY3vtYU05g&sv_z=1.0000000000000002

17. Museo Hermitage, San Petersburgo. 

Es el museo más importante de Rusia. Situado en San Petersburgo, es considerado uno de los más prestigiosos y completos museos de antigüedades del mundo, ya que cuenta con una colección de más de tres millones de piezas procedentes de culturas como la griega y la romana. Está constituido por seis edificios diferentes, de entre los cuales destaca especialmente el Palacio de Invierno.
Aquí os dejo el link de la visita virtual de este museo https://www.hermitagemuseum.org/wps/portal/hermitage/panorama/virtual_visit/panoramas-m-1/!ut/p/z1/jZBNT8MwDIZ_yw49NnG_O26hEyplU4UEo-QyZVPWBrVJlWStxK8nmrhMgoJvlh6_fmxMcYOpZJNomRVKst717zQ91ISkQVRAle_jDMialJvqGZL7hxS_XQH4pQhg-p_5BYAux1d_LXAXhHpX7FpMR2Y7X8izws0ktL2w_jAJIyxuRiaVZgMz_uAHzoneptaPTy61fknKut4XYRF_A8te4jig-TQgQEmYQBCtAfIszOL8KkXkMcqdlOZnrrlGF-2-3Vk7mjsPPJjnGbVKtT1H3Hjw00SnjFO_AfE4vDaf2xI-kn7aktXqC2HfjBY!/dz/d5/L2dBISEvZ0FBIS9nQSEh/


18. Teatro-Museo Dali, Figueras. 
Dedicado exclusivamente a la obra de Salvador Dalí, se encuentra en la ciudad de Figueras (Cataluña). La totalidad del legado de Dalí se repartió entre este museo y el Reina Sofía, por lo que contiene una gran cantidad de material muy relevante en el movimiento surrealista. Es gestionado por la Fundación Gala-Salvador Dalí, y además de contener muiltutd de piezas del artista catalán, alberga su tumba.
https://www.salvador-dali.org/es/museos/teatro-museo-dali-de-figueres/visita-virtual/ es el link para entrar en su visita virtual.

19. Museo Nacional de la Fuerza Aérea de Estados Unidos

En Riverside, cerca de Dayton (Ohio), se encuentra el museo más Antonio de la aviación militar y de uno de los más grandes del mundo. En él se pueden encontrar en exposición más de 400 aviones y misiles que formaron parte del armamento oficial americano en algunos conflictos históricos, como la I y II Guerra Mundial, por lo que es una gran oportunidad para observar de cerca qué tipo de maquinaria se ha utilizado a lo largo de la historia. Aquí os dejo el link que os facilitará la visita virtual a este museo http://visitavirtual360.com/museo-nacional-de-la-fuerza-aerea-de-estados-unidos/


20. Museo Nacional de Irak.
Situado en Bagdad, es famoso por albergar varias de las mayores reliquias de la civilización mesopotámica, a pesar de que algunas de ellas fueran saqueadas durante ña invasión que sufrió el país en el año 2003. Debido a su localización y a la rareza de su colección, procedente de una concepción artística muy diferente a la occidental, la disponibilidad de la visita virtual es un gran aliciente para animarse a conocer las piezas que incluye. Aquí os dejo el link: http://www.virtualmuseumiraq.cnr.it/noflash.htm

TELEGARDEN

INTRODUCCIÓN

"La Revolución Neolítica...comenzó en algún momento alrededor de 8000 a. C. cuando los seres humanos se hizo su primer éxito en los intentos de domesticar animales y alimentos de granos....Después de haber aprendido cómo asegurar su suministro de alimentos por sus propios esfuerzos, que se asentaron en permanente las comunidades de los pueblos..." (H. W. Janson, Historia del Arte)

"los Jardines son tan antiguos como la civilización misma... vívidas descripciones científicos, naturalistas e historiadores han lejos duró aquellos jardines que inspiró primero de ellos. Aristóteles...hizo observaciones detalladas durante sus dos años de estudio de los jardines salvajes en la isla de Lesbos. Su firme creencia de que el mundo natural que debe recibir mayor atención científica allanó el camino para mucho de lo que iba a seguir..." (Compton Enciclopedia)

El Tele-Garden es un tele-robótica de la instalación que permite la WWW a los usuarios ver de forma remota y tienden un jardín viviente. El jardín se inauguró oficialmente a mediados de agosto de 1995 en la Universidad del Sur de California. Durante el verano de 1996, la Tele-Jardín fue trasladado a Linz, en Austria, en el Ars Electronica Center, donde permanecerá en línea hasta el verano de 1997.

Los usuarios participan en el cuidado de un jardín viviente usando un control remoto de robots industriales para realizar peticiones simples, tales como el riego, la siembra y ver el jardín. Los usuarios se presentan con una sencilla interfaz que muestra el jardín desde una vista superior, el jardín de un mundo compuesto de vista y una navegación y visualización de la información en la forma de un robot esquemático. Haciendo clic sobre cualquiera de las imágenes de uno de los comandos que el robot se mueva a una nueva ubicación absoluta o un familiar a que se fueron. El robot, después de finalizar el movimiento, devolverá una renovada imagen del jardín. 

De esta manera uno puede explorar todo el jardín de forma remota mediante simples clics de ratón.El robot realiza las peticiones de los usuarios en un primer llegado primer servidor de bases. Debido a esto la multiplexación de los robots más de un usuario puede estar en el jardín a la vez. Mediante el miembro tracker superposición de uno no sólo puede ver que pero donde otros miembros están en el jardín. Si desean communciate con estos otros miembros pueden habilitar o entrar en la plaza del pueblo. La plaza del pueblo es un mensaje público sistema de chat donde la gente en el jardín se puede discutir sobre temas de su elección.Para regar el jardín a los usuarios a alinear la imagen de la cámara sobre la sección de el jardín de agua y pulse el botón agua. Este va a comandar el robot a la liberación de un pequeño chorro de agua sobre el área en la vista. 

Plantar una semilla de un usuario es solicitada por primera vez para encontrar un lugar que está relativamente vacío (no hay restricciones a donde uno puede plantar) y, a continuación, se le solicita que presione el botón de la planta.

Esto hará que el robot para hacer un pequeño agujero en el suelo, se procederá a la siembra tazón, chupar una semilla y desposit de nuevo en la previamente cavado hoyo.

La Tele-Garden es un proyecto de la comunidad donde los usuarios interactuar no sólo con el jardín, pero amounst sí mismos . El proyecto fue creado para empujar la posibilidad de la web de la interacción mediante personalizable opciones de usuario, áreas de chat, jardín de creación de películas, cámaras web, etc.La Tele-Jardín sigue evolucionando. Nuevas temporadas se iniciaron en enero y abril. Cualquier persona puede ver el jardín como un invitado.

Tele-Robotic Garden en la World Wide WebUniversity del Sur de California Co-directores: Ken Goldberg y José Santarromana (UC Irvine) equipo de Proyecto: George Bekey, Steven Gentner, Romero MorrisCarl Sutter, Jeff WiegleyThe WWW se ha iniciado una revolución en la comunicación global.

Los usuarios novatos ahora son capaces de navegar en el Internet para descubrir vastos mares de datos de archivo. La WWW también tiene el potencial de facilitar el control remoto de los dispositivos físicos tales como cámaras y brazos del robot. A nuestro conocimiento, USC Mercurio del Proyecto fue el primero en permitir la tele-robótica de manipulación de un entorno remoto. En ese proyecto, los usuarios podrían directa de aire comprimido en una caja de arena para excavar artefactos enterrados. En línea casi ininterrumpidamente durante seis meses a partir de agosto de 1994, el Mercurio proyecto fue visitada por más de 50.000 sitios únicos de todo el mundo. La idea de la tele-robótica de manipulación de forma independiente perseguido por Taylor equipo en Australia y posteriormente por muchos otros grupos incluidos en Lehigh y UC Berkeley.

Nuestro proyecto más reciente, el Tele-Garden, WWW permite a los usuarios ver e interactuar con una distancia de jardín lleno de plantas vivas. Los usuarios pueden la planta, el agua y controlar el desarrollo de las plántulas a través de la licitación de los movimientos de un Adepto del brazo del robot:
http://telegarden.la aec.a/además plantea cuestiones acerca de las comunidades en línea de la Tele-Jardín ofrece tres innovaciones en los sitios anteriores:
Multi-tasking para eliminar el operador de la cola,
interfaz de usuario personalizable, 
anduser-coreografía vídeos mpeg.

Mientras que el Mercurio Proyecto requiere operadores que esperar hasta 20 minutos en una cola de 5 minutos de controlar el robot, nos dimos cuenta de que podía en efecto multi-tarea que el robot para permitir la "simultánea" de acceso. Después de coordenadas X-Y son recibidos de un cliente, envía un comando para mover el brazo del robot, una cámara CCD a color tiene una imagen, la imagen se comprime basado en las opciones de usuario, tales como la resolución de color, la iluminación y el tamaño, y luego se devuelve al cliente. 

Toda la codificación está hecho en C, y la de 1 segundo de tiempo de ciclo de la Adepto brazo nos permite responder a las solicitudes en 5-10 segundos, dependiendo de la carga.La interfaz de usuario puede ser personalizado en base a una gran variedad de opciones, incluyendo la información que se presenta y en qué formato con el color y la resolución de las escalas, etc. Esta información está codificada en la URL, de modo que el cliente puede guardar sus "preferencias" por el simple ahorro de la dirección url en su lista de favoritos.Otra característica novedosa es la posibilidad de solicitar un vídeo "time-lapse" de una sola vista lo largo de varias semanas o un "pan" a lo largo de un usuario especificado trayectoria. El vídeo está grabado durante las horas no pico y comprimido en mpeg tarde en la noche. 

Usuario podrá votar por sus propios y los de otros vídeos en una Película de página.La siembra y el riego se realiza con una serie de actuadores neumáticos. Una bomba puede ser activiated rociar con una cucharada sopera de agua en el jardín en un punto especificado. Cuando la siembra es requerido, el sistema reduce en un "pie" a través de un cilindro neumático y cava un pequeño agujero, una semilla es aspirado desde una bandeja en el borde del jardín, a la semilla, para luego caer en el agujero. Finalmente, el pie se vuelve a bajar a cubrir el agujero, y una ráfaga de agua es aplicada. De Febrero de 1996, más de 1000 semillas han sido sembradas.El primer criterio fue que el sistema sea lo suficientemente fiable como para operar las 24 horas del día y sobrevivir usuario intentos de sabotaje.

Nuestro segundo objetivo era la creación de una evolución de la WWW sitio que anime a repetir las visitas de los usuarios a cultivar sus propias plantas. De esta manera, el proyecto emula a la humanidad el movimiento de tribus nómadas permanente de pueblos y ciudades.La WWW del sistema es impulsado en su mayoría de un procesador Intel Pentium estación de trabajo equipada con una imagen de la placa de captura, ejecuta el sistema operativo Linux y el NCSA HTTPD software de servidor web.

Robot de control se logra a través de una conexión de puerto serie a la unidad de control del robot. El interactivo WWW opciones de la interfaz se crea a través de un encargo grande de Common Gateway Interface del programa escrito en C. Se mantiene bases de datos de usuario y el estado del sistema, registro de chat y los comentarios, la creación de películas etc.La Tele-Jardín entró en servicio en agosto de 1995. A partir de febrero de 1996, el Tele-Jardín de la página de inicio se accede a más de 46.000 veces y más de 4900 usuarios se han registrado como "miembros" del jardín de la cooperativa. 

Un par de miembros muy activos son visitantes regulares. Más de 600.000 solicitudes de movimiento se han hecho para el robot. Las estadísticas actuales se trazan a diario.La Tele-Jardín estará en línea por un año, hasta junio de 1996. Fue expuesto en el 1995 Medios Interactivos Festival SIGGRAPH, el Festival de las Artes Interactivas, y las Nuevas Voces, Nuevas Visiones, NVNV) los Nuevos Medios de la Competencia. La instalación fue galardonado con el Primer premio en el Festival de las Artes Interactivas (FIVA) y el de Kobe Premio en los Medios Interactivos Festival. El proyecto es apoyado por la USC Annenberg Center para las Comunicaciones, de la USC de la Escuela de Ingeniería, y Adept Technology, Inc.

https://web.archive.org/web/19970411230153/http://telegarden.aec.at/cgi-bin/knapsack/html/info.html



Extraño Jardín: El Mundo Invisible de las Que se Alimenta 
UsText y fotografías Betty BeaumontIt fue hace más de un año ahora. 

Le he pedido que se unan a mí para una unidad en el país, a través de una zona rural al este de Pennsylvania, a una granja de servidores remota con una gran y antigua casa de piedra y granero. Él sólo se rió. Nadie había pedido a él en una fecha de pala mierda antes. Fue una expedición a la mina de oro negro, oscuro, suelto, franco, seta de compost. Viva en el suelo. Una pizca contiene millones de formas de vida. n el verano Pasado ella y yo hablamos en la casa del árbol después paseando por el jardín de flores* y a lo largo del paseo por la naturaleza que se extiende desde la costa a través de la cala. Era media mañana. Vimos los colibríes se alimentan. Las garzas azules estaban vadeando a través de lirios de agua, ahora en plena floración. Se detuvo en el muelle para ver cinco cygnets nadar, se acurrucó entre sus padres, los grandes blancos cisnes mudos con las que comparto el lago. Ella se rió, maravillado con la idea de que entre los pocos libros que me mantenga hubo tres pulgadas de volumen en el compostaje: "La salud de nuestro suelo se basa en dar de vuelta a la tierra más de lo que tomamos de ella."



Como el buen vino, el abono es mejor cuando se envejece. Cuando el nuevo gobierno conservador en Francia reanudación de las pruebas nucleares en la Polinesia francesa, de los 25 a 30 millionbottles de Beaujolais que suelen ir a los mercados extranjeros se convirtió en un objetivo de los boicots. Los franceses han detonado seis explosiones nucleares en el Pacífico Sur desde septiembre, que conduce a la condena en todo el mundo. 
Entonces, ¿cuál es nuestra militar de la sociedad industrial de compostaje? En mi centro de estudio he leído los informes del gobierno a encontrar: Un producto de nuestro mundial de la industria nuclear es la acumulación de grandes cantidades de materiales radiactivos de las centrales nucleares (incluyendo la clausura de reactores nucleares y sus barras de combustible gastado), médicos e instituciones de investigación, y el medio ambiente más grande contaminador, el militar. Este compost se emiten partículas radiactivas durante miles de años, lo que plantea una amenaza mundial para los seres humanos y el medio ambiente. ¿Cuál es la distinción entre alta y baja de los desechos radiactivos? No sabemos donde esta letal de basura se está descompuesto?"



En la cafetería de la esquina yo sentarse y leer el Wall Street Journal: los contenedores de Residuos de vagar por el mar. Indonesia está tratando de rastrear el origen de decenas de contenedores llenos de residuos industriales que se convirtió en Yakarta meses. En Tailandia, los contenedores de suelos contaminados con productos químicos tóxicos son olvidadas. Bangladesh está todavía tratando de devolver a los 2.000 toneladas de manchado de fertilizantes importados de los estados UNIDOS en 1992. China, con su mano de obra barata, amplia zona, la pobreza, y funcionarios dispuestos a aceptar sobornos, se ha convertido en el industrialnations' más favorecida volcado. Desde África y América latina prohibió el comercio, Asia es una de las pocas regiones de la izquierda donde los residuos de los corredores todavía se puede descargar. n Necesidad de descansar después de un simposio internacional y exposición individual, puedo viajar al Distrito de los lagos en Inglaterra. No puedo visitar el Reino Unido de Sellafield (anteriormente Windscale) de la planta, el mayor contribuidor de desechos radiactivos vertidos en el océano. Bombas de 200.000 curios un año en el Mar de irlanda, haciendo que se vuelva más radiactivos del cuerpo de agua en la tierra. En un taxi en el aeropuerto JFK de la cabina del conductor cambia las estaciones de la radio: la Agencia de Protección Ambiental desguace de tres de las principales acciones de cumplimiento en nueva York, Nueva Jersey y Pensilvania, debido a la falta de fondos. Las tres principales empresas a bajar el gancho son un petroquímicos, farmacéuticos y sustancias químicas peligrosas de la empresa.



De vuelta en Nueva York puedo hacer una cita con la Agencia de Protección Ambiental (EPA) y aprender de la EPA testimonio ante el Congreso, no cuentan toda la historia sobre la historia de un submarino nuclear de residuos montón de compost. La ruptura y tambores de desechos radiactivos se encuentran en el Océano Atlántico a sólo 120 kilómetros al sureste del Puerto de Nueva York. Que una cantidad significativa de residuos radiactivos fue objeto de dumping en el sitio y ha causado 20 especies de las que se desconoce peces mutantes para evolucionar fue "ignorada". Esta información contenida en una 1974 informe, fue la "izquierda" de la década de 1980 informe en el que el testimonio de la EPA se basa. En consecuencia, en 1988, la Ciudad de Nueva York obtuvo la aprobación para el volcado de los lodos en estos submarino tóxicos jardines. Aunque esta práctica está ahora prohibido, tóxicos y los desechos radiactivos se han introducido en la cadena alimentaria a través de los peces y otra vida marina que viven y se alimentan en la zona de el sitio del vertedero.


El lago, como puedo poner mi investigación jardines* a la cama para el invierno en esta 50 años después de la Bomba de nacimiento y el año de la terminación de Godzilla (que la radiación de la respiración monstruo nacido de la preocupación acerca de la Guerra Fría y de las pruebas nucleares en el Pacífico), Clinton compromete tropas a los Balcanes. La imagen de la zona conocida como Teuful, el diablo viene a la mente: los vastos, sombrío, casi geométrica, cubierto de hierba movimiento de tierras en el antiguo sector Americano de Berlín Occidental. Allí los escombros de la segunda Guerra Mundial, fue derribada en enormes montones de estiércol de ladrillo y mortero y tanques, y pasó de municiones. Pienso en mi madre, quien, en sus finales de los años 70, durante la Guerra del Golfo, fue a su jardín y plantó una rosa llamado "Paz".** n *En Longwood Lago en Nueva Jersey, estoy desarrollando un proyecto de arte que implica el jardín de la experimentación y de la investigación histórica. n **La rosa de "Paz", con el nombre de día de Berlín cayó, se convirtió en un símbolo internacional al cierre de la II Guerra Mundial.

http://www.zingmagazine.com/zing2/marilu.html

Diseño gráfico artístico.

Empecemos esta entrada definiendo lo que es el diseño gráfico, para así, más tarde, hablar sobre la relación que tiene con el arte, llegando así al tema de este blog: arte y tecnología. 

El diseño gráfico es una profesión cuya actividad consiste en proyecta comunicaciones visuales destinadas a transmitir mensajes específicos a grupos sociales, con objetivos determinados, optimizando con esta actividad, las comunicaciones gráficas.  

Esta definición es más bien reciente y aunque no existe consenso sobre una fecha exacta en la que nació el diseño gráfico, algunos lo datan durante el periodo de entre guerras. 

Pero vamos a centrarnos en lo importante de esta entrada, en la relación que puede tener con el arte, por lo que vamos a preguntarnos si el diseño gráfico es arte. 

Para llegar a una posible respuesta comenzaremos plasmando y analizando el significado de arte, citando ejemplos, para luego hacer lo mismo con el significado de diseño gráfico. A partir de las definiciones de cada área se pondrá en común y. se analizará similitudes y diferencias que se encuentran entre ellas. 

Definiendo arte...

Según la Real Academia Española, la palabra Arte deriva del latín ara, artis y su significado está en relación con la capacidad o habilidad para hacer algo, y a una manifestación humana mediante la cual se interpreta lo real o se plasma una idea con recursos plásticos. 

Pero debemos tener en cuenta que esta definición está atravesada por las múltiples interpretaciones que varían según las diferentes culturas y los períodos históricos sociales. 

Estos factores hacen que su definición no pueda ser enmarcada completamente y que quede de cierta manera abierta. a diferentes interpretaciones. Es por eso que su definición comienza a desestabilizar ya que el vocablo arte, no solo puede aplicarse a una expresión personal, sino que también puede utilizarse como sinónimo de capacidad, de talento en múltiples áreas. Por eso, en muchas ocasiones se habla de arte. culinario, artes marciales, entre otros. 

Si hablamos de artes plásticas, la historia nos muestra que las encargadas de definir qué era arte de lo que no, eran las Escuelas Tradicionales de Artes, los críticos de arte, etc. A medida que fue pasando el tiempo estos límites se fueron ensanchando hasta llegar al Arte Contemporáneo en donde el propio artista es el que define qué es arte, muchas veces convirtiéndose él mismo en obra de arte. Así la definición de arte ya no está en manos exclusivas de los críticos de arte, de los museos o de las escuelas de arte. 

Definiendo diseño gráfico...

Según la Real Academia Española, el significado de la palabra diseño proviene de la palabra italiana disegno. En cuanto a su significado, está relacionado con un traza o deliberación, con un proyecto o plan que configura algo, y con una concepción original de un objeto u obra destinados a la producción en serie. Mientras que la palabra gráfico se refiere a representar mediante figuras o signos. Entonces, se podría decir que "diseño gráfico" sería un plan o proyecto de algo destinado a la producción en serie, logrado mediante figuras o signos. Y tampoco podemos obviar que el concepto de diseño también guarda relación con la cultura, lo histórico y lo social, por lo que esta definición queda acotada para la actividad concreta que propone el diseño gráfico. 

Y ahora, vamos a diferenciar ambos conceptos. 

Como vimos antes, el diseño gráficos está destinado a resolver visualmente problemas de comunicación planteados por una persona. A diferencia del arte, pareciera ser que en esta disciplina, la expresión personal del diseñador no entraría ene juego. Mientras que éste pareciera ser una expresión personal visual de su creador con el fin de provocar algo en su espectador y destinado muchas veces a ser arte por sí mismo. Con esto, ambas disciplinas quedarían por siempre separadas. 

Pero, un diseñador no puede. ser del todo objetivo, ya que al tomar determinadas decisiones frente a una pieza de diseño, entran en juego las propias connotaciones del diseñador, mientras que un artista muchas veces trabaja para determinados clientes (quiénes le solicitaban las obras, como por ejemplo los mecenas. Por lo tanto, el artista también tiene que tratar con un cliente; y esto ocurre porque, al igual que el diseño gráfico, el arte está sometido a un mercado. 

Otra área que comparten, es el espacio en donde pueden verse expuestas estas disciplinas. Tanto las obras de arte como las piezas de diseño, comparten ámbito de divulgación, como por ejemplo, en los museos. Entonces, ¿es que el diseño se vuelve. arte?, ¿o que el arte se hace diseño? El diseño se transforma en arte cuando pasa a la historia y es observado desde esa perspectiva, vaciándola de la función comunicadora inicial. Por eso, muchas piezas de diseño pueden verse en estos ámbitos, son valoradas desde el punto de vista de su composición, del colore, de la técnica empleada, etc. 

Tantos artistas como diseñadores crean composiciones visuales usando una. base de conocimiento compartido, ambos requieren habilidad y están basados en el lenguaje visual. No solo comparten medios de divulgación, sino que en ocasiones comparten medios de producción. 

Hoy en día el arte está cada vez más vinculado a la producción, hay artistas que realizan obras para ser expuestas en una galería y museos, pero, a su vez, generan piezas pensadas para ser reproducidas en medios industriales asociados a áreas del diseño. Por lo que, podemos observar un entrecruzamiento de aspectos que en un principio parecieran bien definidos para cada área, pero que resultan compartidos para ambas. 

Por otro lado, el desarrollo de nuevas tecnologías, analógicas y digitales, aportan tanto para el arte como al diseño, un nuevo territorio donde proyectarse. El movimiento, el espacio y el tiempo son la base material de nuevos formatos artísticos y de diseño. Nuevamente ambas disciplinas comparten espacios de comunicación. 

Por último, un aspecto en donde se observan una marcada diferencia es que una obra de arte, supone un mensaje en el cual cada espectador construye su propio significado. Mientras que el resultado de una pieza de diseño gráfico requiere que haya un mensaje único para ser entendido por el público a quien va dirigido. Ambos transmiten mensajes, pero mientras que en diseño gráfico, el mensaje es único, en el arte puede haber múltiples mensajes tanto como espectadores. 

Concluyendo...

El arte y el diseño comparten campos estéticos, visuales, de divulgación. La confusión de que el diseño es arte surge a partir de estos campos compartidos. No podemos negar que el diseño se enriquece al observar el arte, que aprende de este y viceversa. De hecho, nació en éste. De ahí la dificultad de delimitar claramente los límites de cada uno frente a una necesidad de alejarlos en polos opuestos. Además debemos considerar que el diseño gráfico abarca y trabaja con múltiples disciplinas. El tratar de apartar ambos términos solo hace que ambas disciplinas pierdan capacidad de enriquecimiento. Tenemos que considerar, que así como el artista pueda diseñar piezas gráficas, muchos diseñadores gráficos pueden crear obras de arte. Lo que no significa que todas las obras de arte sean diseño, ni que todos los diseños sean arte.

Lo que debe entenderse es que esto se da porque comparten el lenguaje visual, el campo en el que se desarrollan. Los dos crean mensajes visuales, pero uno intenta determinar un único mensaje para un público determinado; mientras que el otro origina múltiples mensajes tantos como espectadores haya. Así como el diseño se inmiscuye en campos propios del arte, el arte también lo hace en espacios propios del diseño. Por eso, intentar separarlos a toda costa como si fueran dos entes completamente diferente es en vano. Lo más enriquecedor de esto es la posibilidad de aprendizaje que puede lograrse entre una disciplina y la otra.

Ahora bien, ¿es el diseño el que se apropia de los terrenos del are?... o ¿es el arte quien se apropia de la concepción industrial y comercial del diseño? Responded vosotros mismos. 

Y ahora, os voy a mostrar 8 tendencias de diseño que han protagonizado este 2019. 

1. Explosión de colores vivos. 

Amarillos eléctricos, corales brillantes, azules vivos... Lo pop llega a 2019 con toda la fuerza del mundo, sustituyendo las paletas de colores discretos de temporadas pasadas. Si el año pasado imperaban los colores audaces, este año el color gana en viveza, incluyendo tonos más claros pero intensos y llamativos. Un ejemplo claro de ello, lo tenemos en Apple, que hace unas semanas incluía este tipo de colores en sus diseños. 

Otro ejemplo es esta maravillosa combinación de azules, rosas y rojos del siguiente ejemplo:


























O el diseño de este informe anual:

2. Fuertes puntos focales tipográficos
Quizás para hablar de otra de las tendencias de diseño gráfico en 2019, podamos hablar de una conocida marca: Adidas. En las últimas temporadas, la compañía ha optado por utilizar fuentes en negrita en todo su marketing.
Y es que las tipografías en negrita facilitan la lectura de los textos, especialmente en medios online, además de aportar una imagen de fuerza, audacia, innovación e individualidad. Este año serán los protagonistas indiscutibles, el punto focal principal en gráficos y creaciones, solas o en combinación con otros elementos competitivos. Aquí os lo muestro:

3. Influencia futurista. 
Las influencias futuristas serán la corriente principal de diseño en 2019. Ha llegado la hora de que el diseño refleje esta ética futurista que, según el cine de antaño, estamos viviendo ahora. ¿Cómo? A través de texturas, patrones y colores futuristas. De hecho, que este año se hayan llevado los colores vivos y eléctricos no es una simple casualidad, ¿no crees?

4. Esquemas de color claro y oscuro. 
Algunas compañías tecnologías como Apple o Facebook ya lo han utilizado en sus aplicaciones. Nos referimos a la combinación o versiones de colores claros y oscuros en un mismo diseño, lo que aporta una gran flexibilidad al trabajo final. Veamos ejemplos:

5. Degradados complejos y duotonos. 
Nada como un degradado para dar esa sensación de profundidad a los diseños. Esto es muy notable en los dispositivos móviles, Y este año lo hemos tenido como tendencia.

6. Minimalismo colorido. 
Mucha gente lo ha confundido con el uso específico del blanco y el negro, o paletas de colores neutros, pero el minimalismo consiste en reducir el diseño a los componentes necesarios. 2019 fue un año acompañado de color y creatividad.

7. Ilustraciones dinámicas y detalladas, hechas a mano. 
Las ilustraciones personalizadas o dibujadas a mano son la mejor forma de destacar por la autenticidad ( y evitar innecesarios plagios). El año pasado ya habían marcado tendencia, pero si en en 2018 hablábamos de ilustraciones simples, en 2019 lo haremos con dibujos dinámicos, más completos y complejos.
He aquí un ejemplo claro. En la primera imagen podemos ver una serie de ilustraciones que Mailchim había realizado el año pasado. Son dibujos simples que contrastan con las nuevas creaciones de la compañía, en segundo término. Otro enfoque con ilustraciones más complejas, con ese toque de autor que particularmente a nosotros nos encanta.

8. Fotografía auténtica y genuina
Los creativos y directores de arte se han ido orientando más hacia la fotografía de autor, auténtica y genuina, que contrasta con las típicas imágenes que podemos encontrar en cualquier banco gráfico. Las fotografías que se llevarán en 2019 deben parecer como tomadas con la cámara o el móvil de alguien, no por profesionales. Por lo que ¡menos edición y más originalidad y frescura!

DEEP ASCII

Figura clave en la historia de las nuevas tecnologías, el artista esloveno Vuk cosic fue también quien en 1995 acuñó el concepto de “net.art”. Como el tambiñen creador de nuevos medios Alexei  Shulgin apunta, el término de Cosic es un ready-made al estilo de Duchamp: Cosic leyó las palabras “net” y “art” separadas por un punto en un mensaje de correo electrónico corrupto y empezó a utilizarlas para referirse al arte nacido en Internet. El término pronto se popularizó, pero el signo de puntuación desapareció con el tiempo.

El titulo de uno de los proyectos más conocidos de Cosic (ASCII Histoty of Moving Imagens) muestra el interés que muestra el artísta por el proceso a través del cual el arte entra en la historia. En su obra, Cosic convierte escenas de películas y series televisivas clásicas, (Psiosis de Alfred Hitccock; la pornografía Garganta Profunda reconvertida en Deep ASCII); y la serie de ciencia ficción (Start Trek) en cortometrajes de animación. Cosic emplea un programa para transferir cada fotograma del original a una imagen en la que los caracteres ASCII sustituyen a los píxeles o puntos Benday y forman en pantalla personajes, sombras y objetos. Cosic proyecta entonces estas imágenes en rápida sucesión y reanima así la obra original. Empeado por vez primera en 1983, el ASCII (siglas inglesasdel Código Americano Estandarpara el intecambio de información) es un sistema de equivalencias numéricas para los caracteres de un teclado que permite a los usuarios de ordenador transmitir y recibir textos entre sistemas informáticos distintos.

 

Cosic no fue el primero en código ASCII para crear imágenes. En una época en la que los ordenadores carecián de aplicaciones gráficas, los primeros usuarios creaban dibujos en pantalla valiéndose de las líneas y sombras formadas por las letras, números y símbolos ASCII. En la década de 1990 era habitual que los usuarios de Internet decorasen el pie de sus mensajes electrónicos con tales dibujos ASCII, creados bien carácter a carácter o mediante un programa de conversión de imágenes. Al usar código ASCII para recrear películas y programas de televisión, Cosic desarrolla hasta el absurdo este rudimentario este sistema de producción de imágenes y crea así animaciones de estética retrofoturista.

La titulación académica de Cosic le acredita como arqueólogo, y su cine ASCII revela una aproximación arqueológico-mediática a la producción del arte común a todos los artístas de los nuevos medios. Sin embargo, el interés de Cosic por las tecnologías anticuadas dista mucho de ser académico. Su reactivación del ASCII es a un tiempo crítica de la lógica utilitarísta implícita en el desarrollo de nuevos medios de comunicación y una celebración del sinsentido.

 

Vuk Ćosić nació en 1966 en Belgrado y es considerado el pionero del movimiento net.art, además del creador de este término. A mediados de los 90, el hecho de poder tener acceso a Internet hizo que fuesen evolucionando grandes ideas como las impulsadas por Ćosić, que encontró en Internet un lugar para el arte, y ha estado desde 1994 dedicando parte de su tiempo al net.art. Su obra se encuentra en constante evolución y se caracteriza por un lado por la mezcla de filosofía, política y cuestiones conceptuales relacionadas con la red y por otro por un sentimiento innovador de la estética urbana contemporánea.

Ćosić, en sus inicios, hablaba de la red como de una oportunidad para emigrar de las realidades con las que no estaba de acuerdo, una de ellas era el mundo del arte. Así pues, el net.art debía existir online y fuera de la galería, con el monitor del ordenador como su cuadro.

En 1997, crea History of Art for Airports, en la cual reproduce obras de arte famosas utilizando símbolos de aeropuertos. 16 obras de diferentes periodos y artistas de la historia del arte y escenas representativas de películas destacadas en la historia del cine son escogidos por él para realizar esta obra que se puede consultar aquí.

En 1998, realiza una de sus obras de arte en Internet más destacables, la “ASCII History of Moving Images”. Su trabajo presenta siete clips cortos de fuentes muy conocidas que provienen de momentos en los que el cine, la televisión y el video estaban encontrando su lugar como nuevos medios. Para  crear su obra, transforma los píxeles o puntos que puede haber en una imagen o video en caracteres ASCII (American Standard Code for Information Interchange). Esto lo hace con filmaciones de los hermanos Lumière, El acorazado Potemkin, King Kong, Star Trek, Blow Up, Psicosis y Garganta profunda. Los clips están en la línea visual de los primeros ordenadores, una pantalla en negro con letras y números (caracteres ASCII) en verde.

Actualmente, vive en Ljubljana, donde continua explorando la intersección del arte y la tecnología. Es cofundador del Ljubljana Digital Media Lab, un laboratorio de medios digitales que tiene como objetivo conectar a artistas y organizaciones no gubernamentales con los nuevos medios de comunicación y la tecnología. Además de controlar una plataforma para la distribución de contenido artístico y cultural gratuito.

 

Arte y tecnología de Mark Tribe/Reena Jana

http://net-ej-art.blogspot.com/2014/10/vuk-cosic.html

DE STIJL ART

De Stijl , (holandés: "The Style") grupo de artistas holandeses en Amsterdam en 1917, incluyendo pintores Piet Mondrian ,Theo van Doesburg y Vilmos Huszár, el arquitecto Jacobus Johannes Pieter Oud y el poeta A. Kok; Otros primeros asociados de De Stijl fueron Bart van der Leck, Georges Vantongerloo, Jan Wils y Robert van't Hoff. Sus miembros, trabajando en un estilo abstracto, buscaban leyes de equilibrio y armonía aplicables tanto al arte como a la vida.

"Card Players", pintura al óleo del artista de De Stijl Theo van Doesburg, 1917; en la colección del Haags Gemeentemuseum, La HayaCortesía delHaagGemeentemuseum, La Haya

El pintor más destacado de De Stijl fue Mondrian, cuyo arte se basó en las ideas místicas de la Teosofía. Aunque influenciado por su contacto con El cubismo analítico en París antes de 1914, Mondrian pensó que no había alcanzado su objetivo al no haberse desarrollado hacia la abstracción pura o, como él lo expresó, "la expresión de los plásticos puros" (que más tarde llamó Neoplasticismo ). En su búsqueda de un arte de claridad y orden que también expresara sus creencias religiosas y filosóficas, Mondrian eliminó todos los componentes de representación, reduciendo la pintura a sus elementos: líneas rectas, superficies planas, rectángulos y los colores primarios (rojo, amarillo y azul) combinado con neutros (negro, gris y blanco). Van Doesburg, quien compartió los austeros principios de Mondrian , lanzó el periódico del grupo,De Stijl (1917–32), que expone las teorías de sus miembros.

Como movimiento, De Stijl influyó en la pintura, las artes decorativas (incluido el diseño de muebles), la tipografía y arquitectura , pero fue principalmente la arquitectura la que se dio cuenta tanto de los objetivos estilísticos de De Stijl como de su estrecha colaboración entre las artes. losLa urbanización de trabajadores en Hoek van Holland (1924–27), diseñada por Oud, expresa la misma claridad, austeridad y orden que se encuentra en una pintura de Mondrian. Gerrit Rietveld , otro arquitecto asociado con De Stijl, también aplicó sus principios estilísticos en su trabajo; el La Casa Schröder en Utrecht (1924), por ejemplo, se asemeja a una pintura de Mondrian en la severa pureza de su fachada y en su plano interior. Más allá de los Países Bajos, la estética de De Stijl encontró expresión en la Bauhaus en Alemania durante la década de 1920 y en el estilo internacional .

Los pintores Piet Mondrian y Bart van der Leck, el arquitecto J.J.P. Oud y otros se unieron a Theo van Doesburg fundador y guía espiritual de este grupo. De todos sus miembros, van der Leck ya creaba diseños gráficos con franjas negras sencillas, organizando el espacio y utilizando imágenes de formas planas con una paleta de colores que ejerció fuerte influencia en Mondrian. Las pinturas de Mondrian constituyen la fuente a partir de la cual se desarrollaron la filosofía y las formas visuales de De Stijl.

Cuando vio pinturas cubistas por primera vez en 1910, Mondrian evolucionó de la pintura del paisaje tradicional hacia un estilo simbólico. Influenciado por Gauguin, que expresaba las fuerzas de la naturaleza. En los años siguientes, eliminó todo indicio de los elementos representativos y evolucionó del cubismo hacia una abstracción geométrica pura. Durante una temporada, en el año 1917, las pinturas de Mondrian, van der Leck y van Doesburg eran difícilmente distinguibles (cabe destacar el hecho de que Mondrian jamás aceptó la línea diagonal en sus trazados, aunque sí consideró apropiado el uso de la misma para orientar el formato; esto es: podremos saber siempre si estamos ante un Mondrian si no hay ninguna línea inclinada, aunque el formato del lienzo sea un cuadrado colocado en diagonal. Van Doesburg, por el contrario, sí admitió el trazo de la diagonal. A pesar de que sus cuadros puedan parecer exactamente iguales, si nos fijamos en este detalle tendremos absoluta certeza de quién es el autor). Además de su restringido vocabulario visual, los artistas de De Stijl buscaron una expresión de la estructura matemática del universo y de la armonía universal de la naturaleza.

Estaban profundamente comprometidos con el clima espiritual e intelectual de su tiempo y deseaban "expresar la consciencia general de su época". De Stijl buscaba las leyes universales que gobiernan la realidad visible, pero que se encuentran escondidas por las apariencias externas de las cosas. La teoría científica, la producción mecánica y los ritmos de la ciudad moderna se formaron a partir de estas leyes universales. En el año 1924, Mondrian dejó de contribuir con sus artículos en el periódico después de que Van Doesburg desarrollase su teoría del elementarismo, la cual declaraba a la diagonal como un principio compositivo más dinámico que la construcción horizontal y vertical. La búsqueda de un arte puro de relaciones visuales iniciado en Holanda y en Rusia, había permanecido con una preocupación importante en las disciplinas visuales durante el siglo XX. Kasimir Malevich y Mondrian utilizaron líneas, formas y colores puros para crear un universo de relaciones puras ordenadas armoniosamente. Esto fue visto como un prototipo quimérico para un nuevo orden mundial. Mondrian escribió que el arte "desaparecería en la misma proporción que la vida gana equilibrio". La tecnología y la forma visual se convirtieron en el objetivo de quienes se empeñaron en lograr una arquitectura y un diseño gráfico diferentes.

Su uso de colores primarios, rojo, azul y amarillo, con líneas horizontales y verticales ha saltado del lienzo y ha entrado en nuestra vida cotidiana en forma de moda, arquitectura e incluso marketing. No son solo artistas, sino revolucionarios cuyo movimiento De Stijl se ha convertido en una importante fuente de inspiración para arquitectos, diseñadores e incluso otros artistas de todo el mundo.

Y en 2017, los amantes del arte de todo el mundo se abrirán camino a esta fabulosa ciudad holandesa para celebrar el centenario de un movimiento iniciado por los artistas Piet Mondrian y Bart van der Leck en 1917 después de reunirse un año antes en la cercana ciudad de Laren. , una colonia de artistas a principios del siglo XX.

Una de las obras más famosas del grupo

"Mondrian y van der Leck creían que el nuevo arte podría conducir a una sociedad moderna y mejor cuando lanzaron el movimiento De Stijl", dijo Benno Tempel, Director del Gemeentemuseum, a un grupo de amantes del arte y periodistas reunidos en el museo de La Haya donde Toda la galería se ha dedicado a mostrar las obras de Mondrian, casi 300.

Si bien el Gemeentemuseum de La Haya es la zona cero para las celebraciones de 2017, titulado “Mondrian to Dutch Design: 100 years of De Stijl”, otras ciudades holandesas donde los miembros del movimiento artístico nacieron, trabajaron o vivieron, también se unen al tributo, especialmente Utrecht y Amersfoort. Mondrian, Van der Lack y otros dos miembros importantes de De Stijl, Gerrit Rietveld y Theo van Doesburg, nacieron en Utrecht o Amersfoort.

Y no cometas el error de comparar a De Stijl con la Bauhaus de Alemania o el director Tempel te regañará juguetonamente.

"Bauhaus es una escuela de diseño, no un movimiento", explica a los no iniciados.

¿Qué importancia tiene De Stijl para la vida moderna? Bueno, según Tempel, "el diseño de nuestra sala habría sido muy diferente sin estos artistas".

Curiosamente, Mondrian comenzó como pintor paisajista, pero después de ser presentado a la vanguardia mientras vivía en París, comenzó a pintar en un estilo cubista hasta que solo quedan líneas rectas y colores primarios, la base del arte de De Stijl. Algunas de sus obras más importantes incluyen la Composición n. ° 8 (1917), la Composición n. ° 3 con planos de color (1917) y Victory Boogie Woogie, la última de sus obras que estaba inacabada en el momento de su muerte en 1944.

Durante las exposiciones planificadas en 2017 en el Gemeentemuseum, una belleza art deco por derecho propio, se mostrará a los visitantes cómo los artistas de De Stijl han ayudado a diseñar nuestras ciudades, calles y casas modernas.

El museo también explicará cómo la combinación de colores rojo, amarillo y azul sigue siendo primordial para el empaquetado y la publicidad, incluso para los diseños de sitios web.

Hable acerca de sobrevivir a la prueba del tiempo.

El Museo Centraal de Utrecht alberga la colección Rietveld más grande, incluida su legendaria Zig Zag Chair y Red Blue Chair. Lovely Utrecht es también el hogar de la coronación arquitectónica del movimiento De Stijl, la Casa Rietveld Schröder, Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO que atrae a cientos de miles de admiradores anualmente.

La casa, que Rietveld construyó para la señora Truus Schröder-Schrader, una viuda con tres hijos en 1924, se adelantó años a su época (paredes corredizas y muebles empotrados) y sigue siendo una fuente de asombro incluso hoy.

"Rietveld y Schröder se casaron más tarde, aquí es donde murió Rietveld", me dice un guía en la casa. Sin embargo, Rietveld aparentemente no murió como un hombre feliz.

"Diseñó la casa para aprovechar el hermoso paisaje campestre que prevalecía en esta parte de Utrecht cuando se construyó", dice la guía. "Pero cuando más tarde se construyó una autopista de cuatro carriles, que todavía existe, (a pocos metros de la puerta principal) Rietveld dijo 'podrían derribar la casa'", relata la joven.

Afortunadamente, no lo hicieron y la casa sigue siendo un monumento al genio de Rietveld.

Amersfoort, donde nació Mondrian en 1872, también se une a las celebraciones: la casa natal ahora es un museo (Mondrianhuis) y también está planeando muchas exposiciones a lo largo de 2017.

No importa dónde camines en La Haya, los recordatorios de De Stijl están en todas partes. Las líneas verticales y horizontales rojas, azules y amarillas decoran el exterior del nuevo y enorme ayuntamiento de la ciudad: cuenta con el atrio más grande de Europa.

Las tiendas de ropa en las modernas prendas de escaparate del casco antiguo de La Haya inspiradas en los artistas de De Stijl y los diseños icónicos incluso aparecen en las barras de caramelo.

En un país conocido por los artistas, no hay nada más importante que los de De Stijl: maestros holandeses modernos que cambiaron el panorama del arte para siempre.

Características del movimiento De Stijl:

Obra El arquero, de Theo van Doesburg

• Buscaba la renovación estética a través de un nuevo orden armónico de valor universal, en donde prevalecía sólo lo elemental como líneas, planos y cubos.
• Creación de ritmos asimétricos, con un sentido de equilibrio, generado por la compensación de las formas y los colores.
• Utilización de colores planos primarios como el amarillo, azul y rojo o tonal como el blanco, negro y grises.
• Empleaban fondos claros.
• De Stijl tenía una intención universalista abstracta, expresando la belleza pura, con un ideal de la armonía absoluta.
• Pretendieron configurar la totalidad del mundo en el que se desarrolla la vida del ser humano.
• Sus artistas trabajaron como arquitectos, decoradores, artistas gráficos y escenógrafos, produciendo grandes obras.
• En este movimiento artístico se descarta el uso de columnas, la simetría y la repetición de elementos.

 https://www.capitaldelarte.com/de-stijl-movimiento-artistico-holandes/

https://www.christies.com/features/Collecting-Guide-De-Stijl-6191-1.aspx

https://www.ecured.cu/De_Stijl